В художественно-краеведческом музее проходит выставка живописи и графики макеевских художниц Вероники ЖУРАВЕЛЬ и Елизаветы КАДУРИНОЙ «Всё начинается с мечты». Представленные работы выполнены в разных техниках. Разнообразны и темы картин. Здесь вы найдёте и пейзажи, и портреты, и натюрморты. Мы пообщались с художницами, чтобы ещё больше проникнуться философией их работ.
Творчество помогает достучаться…
Вероника Журавель — выпускница Макеевской художественной школы, которую сейчас возглавляет. Окончила Донецкое
художественное училище, Харьковский национальный педагогический университет
им. Григория Сковороды, получила диплом дизайнера в Киевском национальном университете культуры и искусств.
Участвует в выставках, фестивалях и пленэрах. Также Вероника Олеговна – член Донецкого республиканского центра искусства и кино «Вдохновение».
Работы художницы находятся в частных коллекциях по всему миру.
— Вероника Олеговна, вы используете и масло, и акварель, и графические материалы, пишите в разных техниках. Это период творческого поиска в вашем творчестве?
— Нет, я не ищу свой стиль, не стараюсь выбрать единственную манеру рисования. Ведь в первую очередь я преподаватель, а не художник. И мне нравится пробовать что-то новое, эскпериментировать в выборе палитры.
— Все равно в ваших работах прослеживается какая-то цельность, что-то общее в них есть.
— Но это не специально делается. Мои работы — это же продолжение меня, поэтому естественно, что они связаны между собой.
— Среди ваших картин есть такие, которые написаны маслом, но при этом их мягкая цветовая гамма и плавные переходы цвета намекают на акварельный стиль. Почему вы все же решили написать их маслом, а не акварелью?
— К выбору материала для конкретной работы я подхожу прагматично — рассчитываю, сколько времени у меня есть для написания того или иного пейзажа или портрета. Например, акварель по-сырому — это сложная техника. Чтобы картина получилась легкой и прозрачной, перед работой над ней нужно настроиться морально, обрести спокойствие на душе. Затем требуется время для долгой сосредоточенной работы без перерыва.
А вот масло может выдерживать большие паузы. Начав картину, я могу ее закончить хоть через месяц. Поэтому часто выбираю масло.
— Приходилось переделывать свои же работы, дополнять их уже после того, как они готовы?
— Картина с пишущей машинкой была написана еще в студенчестве краской, разбавленной обычным подсолнечным маслом. Но несколько лет она оставалась липкой на ощупь и собирала на себе всю пыль. Ее было жалко выбрасывать, мне она нравится. Поэтому я решилась на эксперимент, пройдясь сверху полусухой кистью с маслом. Заодно и маленькую дочку приобщила к работе, показала ей, что такое мастихин.
— Портреты вашей дочки Доминики тоже представлены в музее. Изображая её, вы привносите в её образ свое видение — то, чего не может передать фотография?
— Живопись и графика позволяют расставить нужные художнику акценты, вложить в работу частичку себя, передать свое восприятие цвета.
— На выставке есть работы, привлекающие внимание к социальным проблемам. Что вас побудило затронуть эти вопросы в своем творчестве?
— Будучи однажды на отдыхе в Бердянске и общаясь с другими отдыхающими, я узнала шокирующую информацию о том, что в Украине с 1991 по 2015 год было проведено около 20 млн абортов. Только представьте эту цифру — это же половина нации! После этого я решила узнать статистику и по одному из регионов 
РФ, честно говоря, не помню, по какому именно. Но там было сказано, что на три случая родов приходится два аборта. Под впечатлением от этих цифр я написала картину с розами на черном фоне, и на ней две розы изображены сломанными. Картина называется «3/2 трагедия».
Сейчас я реализовываю авторский творческий проект передвижной выставки «Территория молодёжи» при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. Он касается вопросов защиты детей, семейных ценностей, уважительного отношение к пожилым. К сожалению, это сейчас тоже актуальная проблема, когда из-за войны молодежь бросает пожилых родителей и едет устраивать свою жизнь на новом месте.
— Получается, что своё творчество вы используете как инструмент, помогающий достучаться до людей, до их совести?
— Да, это так. Стараюсь делать всё, чтобы мне было не стыдно вспоминать свою жизнь. Для этого стремлюсь быть полезной.
Елизавета Кадурина — ученица Вероники Журавель. После окончания Донецкого художественного колледжа ведёт активную творческую деятельность и преподаёт в Макеевской школе искусств №4, продолжая получать образование в Донецкой государственной музыкальной академии имени Сергея Прокофьева и Донецком государственном университете. Активно участвует в открытых и международных фестивалях, пленэрах и арт-лабораториях.
Учитель – он как волшебник
— Елизавета Федоровна, как к вам с Вероникой Олеговной пришла идея объединить ваши картины в рамках одной выставки?
— На самом деле, тема «Наставник и ученик» всегда интересна зрителю. Очень завораживающе смотреть и изучать, какие общие творческие особенности и технические приемы прослеживаются в творчестве двух мастеров. Вероника Олеговна — мой первый учитель рисования. Я пришла к ней в класс, когда мне было 10 лет, и именно она стала моим проводником в мир изобразительного искусства.
У нас очень тёплые взаимоотношения. Идея о такой выставке пришла внезапно, в ходе обычного разговора. Вероника Олеговна предложила реализовать эту задумку. И, оглядываясь назад, на десятилетнюю себя, только начинающую познавать азы рисования вместе с учителем, который для тебя словно волшебник, понимаешь, насколько ценен факт того, что ваши картины висят бок о бок на общей выставке.
— Какая техника, материал ваши любимые?
— Масло — это универсальная краска, которой можно воплотить практически любую твою задумку. Сейчас 90% живописных работ я выполняю именно им. Больше всего люблю писать портреты. Это интересно — пробовать передать характер каждого человека через живопись, подчеркнуть его особенности.
Что касается манеры письма, то я стараюсь писать очень легко и свободно. Не люблю, когда картина смотрится перегруженно или сухо. Хочется видеть перед собой живую, дышащую работу, а не мертвые слои краски. Считаю, что лучше не дописать работу, оставить ее с ноткой незавершённости, чем замучать огромным количеством прописок. Полюбила я и графику. А вот акварель использую редко — в основном, это натюрморты.
— На одном из портретов явно видны потёки краски. Что они символизируют?
— Это некий элемент случайности. Очень люблю, когда такое получается, и всегда оставляю их.
В портрете старушки на потёки можно посмотреть с разных сторон. С одной стороны — на первых этапах письма они просто понравились мне композиционно, как это дополняет сам портрет. В процессе я поняла, что не хочу записывать весь холст и лучше оставить низ незавершенным. Это придает нужную лёгкость такому, довольно глубокому по эмоциональному восприятию портрету. А с другой стороны, после завершения написания, когда взглянешь на картину свежим взглядом,
можно найти в них и более глубокий смысл. Какой? Я думаю каждый зритель найдет там что-то своё. То, что откликнется именно в его душе.
— Вы не только художник, но и музыкант. А с каким стилем музыки ассоциируются ваши картины?
— Уверена, что у автора и зрителей ассоциации будут разниться. В основном, я рисую либо в полной тишине, либо слушая любимые песни. И на самом деле, это ощущается очень по-разному. Рисование в тишине помогает сосредоточиться и работать очень вдумчиво. А с музыкой — сразу появляется воодушевление, какой-то внутренний запал — и работа становится более динамичной, так как мой любимый жанр в музыке — диско 80-х, ретровейв, софт-рок. Более ранние работы и, в особенности, акварель у меня ассоциируются с максимально лиричной музыкой. Это что-то спокойное и мечтательное. По жанру близкое к дрим-попу. Недавние картины — это точно более динамичные и яркие музыкальные композиции. Я думаю, что в мире музыки — это джаз. В них присутствует непредсказуемость, импровизация и смена ритма.
Ильмира НИГАМЕТОВА.